martes, 9 de mayo de 2017

DÍA NACIONAL DEL ARTISTA PLÁSTICO

Armando Reverón es sinónimo de Luz, es el Mago de la Luz, del paisaje conjugado en simbolismo dejando una estela ampliamente conocida no sólo dentro de nuestro país, sino que extiende a otras fronteras. Sin embargo, siempre hay factores que entristecen y es que hoy estamos en medio de una trifulca que se erige como sombra en Venezuela y me preocupa sobremanera, por eso es indispensable que recapitulemos, porque de lo contrario seguiremos avanzando hacia sendas que nos llevan rápidamente al subsuelo de valores, patrones y convivio.

Hoy estaba a punto de escribir a mis grandes amigos los Artistas Plásticos, debo reconocerlo, soy fanático de algunos, pero creo que me limitaré simplemente a buscar las similitudes entre el universo de Reverón y las propuestas de lo que estamos viendo cruzar el patio. Reverón cautiva con esta poética de la Luz, que, no está de más decirlo, me cautiva ese performance en lo que se convierte su vida, en lo que se puede hacer al girar la importancia del artista y su legado.

Me atrevo a decir que es el primer “performer” registrado en Macuto, construyendo su Castillete, sería algo como su laboratorio de la imagen. Estando allí sabía que el arte es para probarlo, para encariñarse y para convivirlo a cada instante –lamentablemente el Castillete fue devorado por la tragedia de 1999-, aun desde las formas en que se integró al litoral. Reverón va en búsqueda de un lenguaje que podemos seguirla desde su formación en Europa, y se evidencia en una producción de más de treinta años donde exploró un sinfín de motivos para buscar estos vericuetos de la Luz. Creció en la imaginación, respondiendo a sus antigüedades, al sombrero Pumbá, a sus animales, a sus Muñecas y por supuesto de Juanita que le acompañó desde aquella fiesta de carnaval en 1918, para convertirse en su compañera, albacea y guardián erigiendo una historia fantástica.Esta relación amorosa es un punto álgido que debemos desempolvar y estaríamos reivindicando un personaje de la historia venezolana que fue pilar en la construcción de este universo.


Efectivamente, este Performance, este Cuerpo que se empieza a desgastar con el paso de los años, es lo que hace que Reverón empiece a reivindicar el objetivo de su producción, tratando de manera implacable e incansable de generar un espacio para que sus piezas se dinamicen en conjunto con su Cuerpo. Las piezas hablan de este disfrute del contacto de su pie en la arena, esta sensación del trazo que se desgasta con el sonido del mar, del viento corriendo sin mesura en las telas empleadas y la mirada al infinito de las Muñecas que se convertirán en las testigos de las andanzas del pintor en su Castillete.

Hablar de las Muñecas, es hablar sus compañeras fieles, que aun después de muchos años –tuve la fortuna de verlas en la Galería de Arte Nacional de Caracas hace apenas tres meses- y al estar tan cerca de ellas pude sentir esta implacable textura que el pintor les otorgó, y están a punto de revivir, o así parece, porque casi nos cuentan una nueva historia. Momentos mágicos que hacen sentir la presencia del pintor en medio de esta soledad de la Galería, de esta frialdad en la que están envueltas las dueñas del Castillete. Las Muñecas serán eternas guardianas de sus sueños, narrándolo en sus ojos, aunque el Mago de la Luz ya no esté entre ellas y relatan parte de su misterioso carácter.

Pero de lo que sí podemos estar seguros es que estamos frente a un portento de la creación, de un poeta del trazo y de un interminable soñador que dejó en sus obras, Cuerpo, Vida y Movimiento, para que hoy, día de su cumpleaños también se lo adjudicamos al Día Nacional de Artista Plástico. Aunque en medio de esta catástrofe en la que estamos sumidos, las celebraciones no están de más, y podemos decir que estamos rescatando parte de la memoria de un país que necesita mirar desde esta Luz de Reverón de nuevo, para buscar en los recodos de las telas, en los retazos del color y en la frescura de su Macuto, esos rayos luminosos de una esperanza para continuar avanzando en las sendas infinitas del arte.

Saludos a mis amigos los artistas este día, y un enorme abrazo repleto de Luz para parafrasear a Reverón.


jose

lunes, 8 de mayo de 2017

Festival Internacional Jazz al Este 2da edición

El sábado 29 de abril se desarrolló en Ciudad del Este un extraordinario evento, “Festival Internacional Jazz al Este 2da edición”, donde se reunieron diversos músicos del género para exponer las producciones que desarrollan en este momento, y nos convirtieron en testigos excepción ante la variedad que resultó tan múltiple como virtuosa en cada una de sus apariciones.

En primer lugar nos enfrenamos a la propuesta de Jose Villamayor, y digo enfrentamos debido a su reto de exploración diáfana y prolija que demuestra en la guitarra, maestro paraguayo con inquietudes de composición que se desafíen en cada ciclo armónico. Ejecución clara y técnica para entrar en las variaciones de la guitarra y empadronarse con una amalgama de corrientes contemporáneas que nos llevan de la mano hacia un ciclo sinfín en cada uno de los temas. Prestidigitador que va subiendo las revoluciones a medida que avanza su performance, estábamos en medio de la base aparentemente repetitiva de largos ciclos acústicos, pero demuestra ser un guitarrista recursivo que entra en armonía sin temor y trata de avanzar en medio de una plataforma que él mismo va creando. Cada solo es una oportunidad para subir el tempo, la polifonía e inyectar la fuerza con las que entra y sale la lira. Virtuoso que explora sin temor, va más allá del canon y trata de encontrar una salida con solos limpios, técnicos, donde la improvisación se torna un privilegio que él mismo asoma ocasionalmente y sostiene este equilibrio que nos lleva a pensar en un final sin final.  

Como segunda alternativa presenciamos un ensamble bastante tradicional en cuanto a estructura y convenciones como es el caso de Jota P. músico brasileiro de extensa carrera y experiencia en el género, que plantea un ritmo más apegado a sus orígenes. Pero no por eso deja de impactarnos con variaciones en los vientos desde el saxo, que es su fuerte, acompañado de un ensamble impecable que le acompaña, además de dejarnos una extraordinaria performance que trae ambiente de fiesta, porque el jazz también es eso, una enorme fiesta que Jota P. sabe sobrellevar con sus composiciones, que van a ritmo arrollador en juego de armonizaciones que corren dentro del auditorio y obligan a los asistentes a levantarse de sus sillas, para impregnarlos con esta sonoridad tan latinoamericana, teniendo claro que no escatima esfuerzo para arrastrarlos sin cansancio.


Por ultimo tuvimos la presencia de Pablo Selnik, flautista español que nos demostró los cambios de formato en su propuesta sonora, la musicalidad compacta en armonía y un sonido absolutamente innovador, de fuerza indetenible que va desde los grandes silencios, la polifonía incansable y la incansable sensación de sincopas en desmesura que resultan muy atractivas. Nos hace llegar al límite del caos al mejor estilo del free jazz, pero luego, abruptamente, nos atrae de nuevo hacia la línea que él rigurosamente va erigiendo, por ello somete la composición, aunque para ser sincero en ningún momento nos dio tregua ni permitió el despiste, puesto que estábamos inmersos en este juego de rituales, conexiones  a sus bases filosóficas y la necesidad de entrar en el cosmos único del músico contemporáneo. Pablo Selnik va más allá de cualquier convención y explora en aguas profundas de su espacio con mayor empuje en cada pieza, cabe reconocer el trabajo impecable de su cuarteto con Chino Corvalán que es un maestro desde el bajo eléctrico, alimentando la armonía compacta y segura, Bruno Muñoz en el saxo y Seba Ramírez en la batería, que los lleva a reaccionar de manera clara en cada uno de los cortes, pausas silencios y cambios de tempo durante el recital.
Fragmento de trabajo de Pablo Selnik 

Una noche con tres maneras de proponer el jazz desde un espacio fantástico como es Ciudad del Este, con calidad en la producción del evento, para luego cerrar en otro local con una Jam Session donde ya un poco más distendidos, pudimos ver la capacidad de improvisación de los músicos que se subieron a proponer temas, dejarse llevar por el feeling del momento, que nos cobijaron de acordes y tonos hasta bien entrada la noche.

Sólo resta decir que estar en medio de este “Festival Internacional de Jazz en Ciudad del Este 2 edición” se debe agradecer por el espacio y nunca dejar de decir: EL JAZZ ES UN PELIGRO PARA LA IGNORANCIA.


José Ramón Castillo

Dramaturgo y Director de Teatro.



PD: abajo dejo un video de Jose Villamayor que está en Youtube.




lunes, 1 de mayo de 2017

Lo que comenzó siendo un performance basado en el Cuerpo de la Mujer y terminó siendo un trabajo complejo sobre el Cuerpo Fragmentado, Fracturado y Violentado de Frida Khalo.

Nunca fui muy amigo de la imagen de Frida Kahlo y todo lo que ella representa para el mundo contemporáneo de artistas “snob” y de luchas estériles de “género”, que, en lugar de avivar una crítica de la artista mexicana termina convirtiéndola en imagen de consumo banal. Estas propuestas transforman el arte en objetos de articulación comercial, que están ligados a comentarios inertes de jóvenes y no tan jóvenes que se hacen llamar artistas, y que, a fin de cuentas, son panfletos vacíos que imponen inexistencia estética a la obra y su contexto. Por ello siempre me vi enfrentado a esta imagen de Frida –aun hoy me cuestiono- que incluso la empleaba en algunos de mis montajes como ejemplo de marketing y superficilidad.


 En 2015 mientras realizábamos una residencia artística con Dianita López que recién llegaba de Chihuahua a San Cristóbal, para un proceso creativo con el Incinerador Teatro, comenzamos a explorar muchas facetas del mundo en la frontera, de las inmensas ganas que teníamos de realizar un trabajo de estereotipos, iconos y fetiches de comercio entre Venezuela, Colombia y México, la idea inicial era realizar un trabajo performático que sería llevado luego a escena, en una suerte de proceso que siempre realizo, y con ella salir de gira una vez más. Pero la cuestión no fue tan sencilla, y, como en todos los procesos creativos, se fueron desligando sus objetivos iniciales y se afianzó en esta idea de las Fronteras que se mueven, pero en este caso no íbamos hacia las Fronteras físicas o regional, sino hacia una  aventura de nuestros sin límites para buscar ciertos valores y designaciones estéticos que le agregaríamos en este proceso. Duramos cerca de tres meses y medio entre la exploración, la inmersión en el tema y la exploración del Cuerpo de la actriz que se expandió en el escenario sin control, y de la que nos vimos arropados por las oleadas inmensas de patrones que rompíamos a medida que pasaban los días y las semanas de esta producción.

Primero, estábamos en medio de la vorágine de una temporada de FRESA, en conjunto con su gira, y el elenco de El Incinerador estaba igual que siempre con el estrés a tope, estos compromisos nos estaba abarcando el tiempo más de lo esperado, con invitaciones en Mérida, Caracas y Pamplona, pero sin dejar de estar pensando en este proyecto. Por ello Dianita estaba detrás de nosotros viendo todo y calculando cada paso que dábamos, y fue allí en medio de una tromba de ideas mientras recapitulaba un día que se me cruzó la imagen de Frida, pero lo que no sabíamos era que Frida nos estaba llamando, -siempre he dicho que uno no escoge el montaje, el montaje lo escoge a uno, tal vez por eso esté hoy en el fin del Mundo-. En fin, me atreví a escribir a Humberto Robles, dramaturgo mexicano que admiro para solicitar el permisos de estudiar Frida con la posibilidad de un montaje, aunque muy pocas veces trabajo con dramaturgia ajena, esta opción me gustó muchísimo, luego de él enviarme la documentación necesaria me vi de nuevo en Aguas Profundas de no saber qué hacer con todas las imágenes que teníamos, cómo ensamblarlas con el bello texto de Humberto, contando que en Pamplona ya habíamos realizado un performance en la reunión del Proyecto FRONTERAS 2015.


Surgió la idea de invitar dos actrices más que eran Adelita y Dulce Santander, pero las convertimos en unas especies de Fridas muy andinas, que hablaban el “idioma del gocho” –me refiero a acentos, modismos, costumbres de la región andina venezolana, ellas fueron formadas en estas tierras, lo que me dejaría ver que sus Cuerpos se apropiarían de un elemento externo y nos iríamos a otra aventura más vertiginosa- y que se internaron de manera tal en las construcciones de las Fridas que fueron avasallantes en cuanto a desgaste físico se refiere. Se incrementaron las horas de trabajo entre mis viajes a Caracas los fines de semana, las intensas horas de ensayos en San Cristóbal que iniciaban en las tardes y culminaban por allá en las noches sin respiro alguno, fue agotador.


La música fue una variación de temas de La Llorona por parte de mi hermano y cómplice Robinson Pérez que se adjuntó al proyecto de manera espontánea, como debe ser en el teatro, y terminamos haciendo una pieza performática respetando a cabalidad el texto de Humberto,  con imágenes multimedias que acompañaban a las Fridas en este camino que se trasformaban en muñecas de colección de artesanía, para hablar desde las Fridas que se reivindican y exigían al público una revisión de la historia de esta figura con serenidad.

El trabajo se convirtió en un gran ágape donde la gente pudo disfrutar de buena comida, de buena música, de videos, de olores, de sensaciones, algunos del público durante las funciones se emborracharon, y por sobretodo de un extraordinario performance de tres actrices que se jactaban de todo lo que podían hacer, de las dinámicas en las que se movían y de un éxtasis que aun hoy lo revivo a detalle.

Las fotos son de los panas Igor Castillo, Ricardo Ramírez y José Ramón Castillo.

Dianita muy pronto se vienen las buenas nuevas ;)

PD: este fue el trabajo previo a la Medea… que luego montamos en otra residencia en Chihuahua (México) ese mismo año. Y hoy por acá en mi sabático interno en el fin del Mundo, planificando nuevas propuestas.

Gracias Dianita J








martes, 18 de abril de 2017

Vaya con esa Yuca pa´ otro lado

La Yuca es el pan del venezolano por excelencia, se sabe muy bien que ella es un tubérculo que data de uso milenario en toda América, y especialmente en nuestras comunidades puesto que es un legado de nuestros pueblos originarios, y que su modo de preparación es muy sencillo y de fácil obtención se dicho. Ella se presta para que acompañemos TODAS las comidas, y si usted aun no lo sabe se puede comer sancochada, frita o al vapor  de acuerdo a lo que usted quiera, o como en el oriente de Venezuela que se come en forma de harina y también realizan el famoso casabe que es una delicia nacional.

Entonces  no entiendo el revuelo por una Yuca amarga que envenena, los Pemones, Kariñas y demás grupos indígenas nos han enseñado que el proceso de la yuca amarga es diferente –además es otra especie que sólo ellos usan- puesto que es venenosa, pero esa  NO llega a nuestra mesas, y si usted se cree con capacidad para extraer este veneno pues me lo imagino que colocará un Sebucán en su casa  y bailará alrededor de la Yuca.

La Yuca a mi entender es uno de los tubérculos más importantes para los venezolanos, pero hace unos días se les ocurrió decirnos que es peligrosa, bueno, como se dice en el argot popular, “Ahora también nos quieren meter la Yuca”, esto viene a aderezar una campaña económica que terminó en guerra según dicen. La Yuca es única e inigualable, sólo en América se consume y ahora nos tienen con una venda entre los medios de comunicación y la complicidad de un gobierno inepto para que abandonemos nuestros métodos alimenticios. Por eso es que no creo en noticias, ni en lamentos de venezolanos en la calle, porque me parecen una exacerbación estas incongruencias de ciertos discursos, que en lugar de tranquilizar una situación de riesgo en la que estamos, lo que hace es engañar a los venezolanos que sólo esperan por sus Cajitas del CLAP con la YUCA PELADA.


Y es que teniendo tantos problemas como los que enfrentamos para la subsistencia, aún quedan muchos que esperan lo que se diga en una cadena presidencial, en un discurso de la oposición o en cualquiera que publique “cualquier” barbaridad en internet. Pasamos de la revuelta política alimentaria al escándalo farandulero en cuestión de segundos, y ahora estamos en el limbo porque también nos quieren engañar con la Yuca.

¿En qué quedamos?, seguiremos preocupándonos por las campañas que alimentan esta histeria y nos sentaremos a que nos traigan la comida a la casa. No creo en nada de estas manipulaciones de información, y menos si trata de un rubro tan necesario como es la Yuca y sus múltiples usos, por eso cuando a usted le vengan a decir que la Yuca es venenosa, dígale firmemente, “Vaya y métale esa Yuca a otro”


domingo, 26 de marzo de 2017

Día Mundial del Teatro 2017

Riñon 2012
Cada 27 de marzo celebramos las Dionisíacas Teatrales en todo el Mundo, HOY en cada rincón del planeta estará un grupo de personas buscando conectarse con este hilo divino que se llama Teatro. Sin embargo, en medio de la celebración y de los mensajes en los que nos vemos atrapados creo que el mismo Teatro nos está llamando reflexionar sobre lo que estamos buscando, lo que estamos estudiando y lo que estamos revisando a diario.

El Teatro no es una excusa para buscar el gesto superfluo, necesitamos urgente un Teatro que entre en la exploración y representación del Mundo como lo imaginamos, como lo queremos, que no se pierda este horizonte en medio de las luces y del público que está entrando a las salas, este público debemos llevarlo al punto que se revise y se enamore de lo que hacemos, que se internalice. No queremos un Teatro que nos entretenga solamente,  sino que sea  motivo de vida y razón de existencia de todos los que nos encaminamos por estas sendas, que de una u otra manera estamos comprometidos completamente con no dejarlo morir.

Zuela, 2012
Necesitamos un Teatro que se aleje de las súplicas de sus hacedores, que dejen de ser víctimas y que vengan de frente a los espacios que son propios de él, que es el Mundo entero.

Necesitamos un teatro que sea hecho de fibras humanas, que no se convierta en simple divertimento, que para eso ya hay muchas alterativas en este Mundo de medios y mediaciones.

Necesitamos este Teatro que no se desmaye ante los embates de la burocracia y de los centros de poder que intentan callarlo por ignorancia y por convicción de quienes lo ostentan.

Necesitamos un Teatro que se ría, que sufra, que goce de los placerse, que entre en la gruta de los sentimientos y que cuestione la existencia de lo humano.

Necesitamos un Teatro que incomode, que no se preste a manipulaciones y que luche sin cesar.
Yorick, 2016

Necesitamos un Teatro que se revitalice en cada montaje en cada función, en cada sesión, en cada ensayo, en cada lectura, en cada pensamiento de quienes estamos día a día tratando de verlo y de estudiarlo, porque la vida no alcanza para desentrañarlo y darle las respuestas que él exige, porque no la hay, simplemente está allí mirándonos y obligándonos a convivir con él.

Necesitamos un Teatro que esté a la altura de lo que somos, de esta humanidad que intenta dispersarse, pero por todos lados busca entrar en el Teatro como aliciente y expone sus cicatrices que nos hablan negándonos y contradiciéndonos.

Porque a fin de cuentas, nosotros comprendemos que el Teatro somos nosotros y sin nosotros él no existe, pero somos recíprocos y de igual manera vivimos desde su representación.

Medea..., 2015
Ese es el Teatro que necesitamos, que sea más natural, que se refugie y se alimente de lo más primitivo de lo que somos, de este Cuerpo que quiere actuar, bailar, jugar y representarse una y otra vez.

Ese el Teatro que necesitamos, de teatristas que se sientan claros y confundidos, pero comprometidos sin medida, que se viva realmente por lo que somos, por lo que realmente existimos.

Ese es el Teatro que sueño, ese el Teatro que debemos buscar y nunca descansar para que él mismo sea quien respire. Ese es inevitablemente el Teatro que sueño, que vivo, que edifico a medida que pasan los días, espero que también podamos entrar en esta sintonía con mis queridos y apreciados teatristas.

¡SALUD Y QUE LLUEVA MUCHÍSMA MIERDA!!!


José Ramón Castillo, 2017

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@IncineradorT

Y desde nuestro canal de youtube:




Por ahora sólo me retiro dejando el Mensaje del Día Internacional del Teatro 2017.
Por Isabelle Huppert, Francia*

Bueno, pues aquí estamos otra vez. Reunidos nuevamente en primavera, 55 años después de nuestra reunión inaugural, para celebrar el Día Mundial del Teatro. Tan solo un día, 24 horas, es lo que se dedica a conmemorar el teatro alrededor del mundo. Y aquí estamos en París, primera ciudad del mundo en cuanto a los grupos de teatro que atrae, para venerar el arte del teatro.
París es una ciudad del mundo, idónea para acoger las tradiciones teatrales del planeta en un día de celebración; desde aquí, en la capital francesa podemos transportarnos a Japón al experimentar el teatro Noh y Bunraku, trazar una línea desde aquí a formas de pensar y expresiones tan diversas como la Ópera de Pekín y el Kathakali; el escenario nos permite permanecer suspendidos entre Grecia y Escandinavia mientras nos dejamos arropar por Esquilo e Ibsen, Sófocles y Strindberg; nos permite ir y venir entre Gran Bretaña e Italia mientras resonamos con Sarah Kane y Pirandello. En el espacio de estas veinticuatro horas podemos vernos transportados de Francia a Rusia, de Racine y Molière a Chejov; incluso podemos atravesar el Atlántico siguiendo un impulso de la inspiración para trabajar en un campus en California, ayudando a algún o alguna joven estudiante de allí a abrirse camino en el mundo del teatro.
De hecho, el teatro tiene una vida tan palpitante que desafía el tiempo y el espacio; sus obras más contemporáneas se nutren de los logros alcanzados en siglos pasados, e incluso los repertorios más clásicos cobran modernidad y vitalidad cada vez que se interpretan de nuevo. El teatro renace siempre de sus cenizas, despojándose solo de sus convenciones anteriores para manifestarse a través sus nuevos y modernos formatos; es así como se mantiene vivo.
Así pues, el Día Mundial del Teatro no es, evidentemente, una fecha cualquiera que podamos dejar perderse en una continua sucesión de días. Es un día que nos permite acceder a un inmenso continuo espacio-temporal a través de la inmensa majestad del canon teatral mundial. Para poder conceptualizar esta idea, permitidme que cite a un dramaturgo francés, tan brillante como discreto, Jean Tardieu. Al pensar en el espacio, Tardieu dice que lo sensato es preguntar "¿cuál es el camino más largo entre uno y otro?"... Para el tiempo, nos sugiere medir, "en décimas de segundo, el tiempo que se tarda en pronunciar la palabra 'eternidad'"... Respecto al espaciotiempo, sin embargo, nos dice: "antes de quedarte dormido, fija tu mente en dos puntos del espacio, y calcula el tiempo que se tarda, en un sueño, en ir de uno a otro". Son las palabras en un sueño las que siempre han quedado fijadas en mi mente. Es como si Tardieu y Bob Wilson se hubieran encontrado. También podemos resumir la singularidad temporal del Día Mundial del Teatro citando las palabras de Samuel Beckett, que hace decir, en su estilo expeditivo, a su personaje Winnie: "Oh que bonito día habrá sido". Al pensar en este mensaje, que me siento honrada de haber sido elegida para escribir, recordé todos los sueños de todas esas escenas. Por ello, bien podría decirse que no he acudido sola a esta sala de la UNESCO; cada uno de los personajes que he interpretado en toda mi vida se encuentra hoy aquí conmigo, papeles que aparentemente se desvanecen cuando cae el telón, pero que han conformado una suerte de vida subterránea en mi interior, esperando a ayudar o a destruir los papeles que vengan a continuación; Fedra, Araminte, Orlando, Hedda Gabbler, Medea, Merteuil, Blanche DuBois... Asimismo me complementan, a día de hoy, todos los personajes que he amado y aplaudido como espectadora. Y es por ello que pertenezco al mundo entero. Soy griega, africana, siria, veneciana, rusa, brasileña, persa, romana, japonesa, neoyorquina, marsellesa, filipina, argentina, noruega, coreana, alemana, austriaca, inglesa, una auténtica ciudadana del mundo, en virtud de la amalgama de personas que residen en mi interior. Porque es aquí, en el escenario y en el teatro, donde encontramos la auténtica globalización.
En el Día Internacional del Teatro de 1964, Laurence Olivier anunció que, tras más de un siglo de luchar por ello, acababa de crearse un Teatro Nacional en el Reino Unido, que él quería transformar inmediatamente en un teatro internacional, al menos en cuanto a su repertorio. Sabía bien que Shakespeare pertenecía al mundo entero.
En mis estudios previos para escribir este mensaje, me alegré de saber que el mensaje inaugural del Día Mundial del Teatro en 1962 le fue confiado a Jean Cocteau, un candidato idóneo por su autoría del libro 'Vuelta al Mundo en 80 Días (Mi Primer Viaje)'. Esto me hizo darme cuenta de que yo he dado la vuelta al mundo de manera diferente. Lo he hecho en 80 espectáculos o en 80 películas. E incluyo en esto las películas porque yo no hago diferencias entre representar una obra teatral y representar una película, que es algo que me sorprende cada vez que lo digo, pero
es verdad, es así, no veo diferencia alguna entre las dos cosas.
Cuando hablo aquí no soy yo misma, no soy una actriz, tan solo soy una de las muchas personas que el teatro utiliza como conducto para existir, y es mi deber ser receptiva a este hecho, o dicho de otro modo, nosotros no hacemos existir al teatro. Más bien es gracias al teatro que nosotros existimos. El teatro es muy fuerte. Resiste y sobrevive a todo, las guerras, la censura, la penuria.
Baste decir que "el escenario es una escena desnuda de un tiempo indeterminado": todo lo que precisa es un actor. O una actriz. ¿Qué van a hacer? ¿Qué van a decir? ¿Hablarán? El público espera, y lo sabrá, porque sin público no hay teatro, no olvidéis nunca esto. Una sola persona ya es un público. ¡Pero esperemos que no haya demasiadas localidades vacías! Las producciones de Ionesco siempre llenan las salas, y él representa este valor artístico con gran candidez y belleza poniendo, al final de una de sus obras, en labios de una anciana las palabras: "Sí, sí, morir en plena gloria. Muramos para entrar en la leyenda... al menos tendremos nuestra calle...".
El Día Mundial del Teatro existe desde hace 55 años. En 55 años, soy la octava mujer invitada a pronunciar un mensaje, si es que a esto se le puede llamar un 'mensaje', claro está. Mis predecesores (¡ay, cómo se impone el género masculino de la especie humana!) hablaron del teatro de la imaginación, de la libertad y de la originalidad para evocar la belleza, el multiculturalismo y formular preguntas incontestables. En 2013, hace tan solo cuatro años, Darío Fo dijo: "La única solución a la crisis reside en la esperanza de la gran caza de brujas contra nosotros: de esta forma emergerá una nueva diáspora de actores, quienes indudablemente sabrán derivar a partir de esta represión beneficios inimaginables al encontrar una nueva forma de representación". Beneficios Inimaginables – parece una bonita formula, digna de ser incluida
en cualquier discurso político, ¿no les parece?...
Encontrándome como me encuentro en París, a pocas semanas de unas elecciones presidenciales, quisiera sugerir que aquellos que parecen ansiar gobernarnos sean conscientes de los beneficios inimaginables que trae consigo el teatro. Pero también quiero remarcar: ¡nada de caza de brujas!
El teatro para mí representa al otro, es diálogo, y es la ausencia de odio. 'Amistad entre las gentes; bueno, yo no sé muy bien lo que esto significa, pero yo creo en la comunidad, en amistad entre espectadores y actores, en la unión duradera entre las gentes a quienes une el teatro: traductores, educadores, diseñadores de vestuario, artistas escénicos, académicos, practicantes y público. El teatro nos protege, nos cobija... yo pienso que el teatro nos ama... tanto como nosotros lo amamos a él... Recuerdo a un anticuado director de escena para quien trabaje, que antes de que se levantara el telón cada noche solía gritar, con voz firme y potente: ¡Abrid paso al teatro!' Y esas serán mis últimas palabras esta noche.
Gracias.

* Isabelle Huppert, Francia. Actriz francesa.




lunes, 6 de marzo de 2017

La Razón... de mi Actuación por Aníbal Grunn

UNA referencia en el Teatro Venezolano es Aníbal Grunn, con toda su experiencia y más de cuarenta años en este país caribeño dedicado a la loable “Razón” de formar teatristas y público sin descansar, este trabajo publicado por FUNDARTE en 2015 nos muestra una biografía repleta de altibajos, de sueños que van y se desvanecen, de ideas que surgen como sacadas de un enorme foso polifónico y de amigos/hermanos irremplazables que aparecen a lo largo del relato reiterativamente. Y es viviendo, porque así nos enfrentamos a la escena, porque a fin de cuentas, para hacer teatro hay que vivirlo, de lo contrario déjalo de lado que NO es un pasatiempo, el Teatro es una manera de hablar, de convivir y de existir.
Si aún no lo han leído vaya a cualquier librería y busque esta edición y disfruten de un Aníbal que se ve como un niño en Argentina mientras su madre le ayudaba a respirar porque su vida estaba en vilo, hasta el aporte de trabajo sin descanso que realiza por su tránsito por esta Venezuela, desde esas tierras al sur se detiene en este norte espléndido. Anibal ya no es un extraño para nuestro querido país, sino que es donde encuentra su verdadera nación que lo quiere, lo cobija y lo hace suyo. Un texto que no puedes dejar de leer desde que inicias porque escuchas la voz de Aníbal en cada frase, en cada historia y en cada postura que fija ante los diferentes hechos que se atravesaron en su paso como dramaturgo, actor y director, porque además de ser polifacético, Aníbal aún le quedan muchos años para seguir mostrando su personalidad extraordinaria, apostando y alimentando el Teatro de esto que llamamos “interior” y que muchos hablan de “provincia”. De nuevo Aníbal en este relato se pliega a la provincia y la alimenta
.
Gracias por esta biografía, siempre he considerado que todos los Maestros deben tener una, pero contada por ellos mismos sin intermediarios, espero con ansía a unos cuantos que admiro y que de seguro me devoraré esas ideas sin parar, como hice con el trabajo de Aníbal, bueno, para eso es el arte, para eso es el teatro, para vivir con o sin La razón... de mi actuación, pero hay que actuar.
Abrazos Aníbal, el libro me llevó a un punto donde no podía parar de leer. Bella experiencia, bella manera de contar tus experiencias, bella manera de dejar el rastro.
Y si los que leen este post y les da curiosidad vayan y cómprenlo, y con eso ayudamos a enaltecer estos relatos y espero que ninguno de sus estudiantes lo hayan dejado pasar de largo.

Símbolos y Transfiguraciones de Blanca Suárez (2017)


Símbolos y Transfiguraciones es un nuevo trabajo que Blanca Suárez nos entregó el pasado mes de enero en la sala del Ateneo del Táchira, donde podemos ver la exploración espacial de piezas que tratan de abrirse paso en cada uno de los trazos a los que nos enfrenta. Esta propuesta vuelve a entrar en la diatriba de lo que estamos buscando como espectadores, donde las piezas tratan de salir de su estado original para entrar en el juego del gran rompecabezas, pero que al unísono nos obliga a buscar la uniformidad -casi imposible- debido a la acertada fuerza con la que nos reta de nuevo la artista.

Un tema acertado sobre Símbolos y Transfiguraciones debido a este indagar entre las formas donde se van desplegando las piezas, te vas adentrando en los rincones de la fuerza del color, en el trazo que no deja de acechar al espectador en conjunto con una dinámica prácticamente indetenible. Blanca Suárez nos lleva de la mano hacia este movimiento de manera adictiva como todo artista capaz de desarrollar su despliegue estético partiendo de un sentido de uniformidad para desplegarse en polifonía de formas, dejando de manifiesto la experiencia y la sobriedad que la caracteriza. Ahora mismo Blanca Suárez busca descifrarnos como espectadores invitados a su festejo, navegamos entre fragmentos que van creciendo a medida que los transitas y se unen en conjunto de universos donde los Símbolos intentan escapar, pero se Transfiguran en discursos estéticos complejos que va plasmando sin mediar en la economía de líneas y en contrastes con la violencia del trazo.

Blanca Suárez es sin duda una de las artistas más representativas dentro del movimiento contemporáneo del arte tachirense, que emerge desde este jugar a formas que se traducen en caminos insondables plasmados en cada una de sus propuestas, y por ello se Transfiguran en excusas para acercarnos a estos Símbolos que ella va elucubrando y que se despliegan por todo el espacio en el que se exhiben.

Las Transfiguraciones aparecen como medio para apropiarse del espectador, y desde la idea de una pieza dinámica que va cayendo en medio de un campo místico hace que su obra en sí misma se reescriba y se relate sin mediar, sin frenos y sin conservar nada, porque a fin de cuentas, es una manera de exponerse, de verse, de proyectarse con su huella particular que es la de un artista en el punto máximo de madurez.

Símbolos y Transfiguraciones ha sido una de las exposiciones más activas y de mayor movilidad que se ha expuesto en los últimos meses en nuestra ciudad, es una extraordinaria alternativa,  para quienes se precian de un arte que se erige por su propios medios sin improvisadas aventuras, más al contrario, es una muestra artística muy activa y de gran valor estético.


Blanca Suarez nos vuelve a  sorprender, y es desde estos Símbolos y Transfiguraciones deja expuesta su manera de ver el arte, de buscar las alternativas en las que un conjunto de piezas discurran por su propios medios y no se detienen en ningún instante para entrelazarse con el espacio y los espectadores. Es sin duda una extraordinaria propuesta artística.